Aujourd'hui nous accueillons Yoichi Kotabe. Il n'a quasiment pas besoin d'être présenté étant donné que c'est l'un des plus grands animateurs du Japon.

Vu son travail en tant qu'illustrateur officiel de Mario et la façon dont il a amélioré l'univers graphique de tant de titres Nintendo, je pense qu'on peut dire que la collaboration entre Nintendo et Kotabe-san est le fruit d'une rencontre extraordinaire.

Kotabe-san est actuellement retraité de Nintendo et poursuit des activités de créateur indépendant. Il a accepté de faire tout le chemin depuis Kyoto car je voulais lui parler de nouveau à l'occasion de la sortie de Flipnote Studio. Merci d'être avec nous aujourd'hui.

C'est un plaisir.

Avant que l'on évoque la façon dont votre chemin a croisé celui de Nintendo, je voudrais vous demander ce que vous faisiez auparavant. Comment s'est passée votre première rencontre avec l'animation ?

Avant cette interview, Koizumi-san des bureaux de Tokyo m'a montré Flipnote Studio. Je lui ai demandé à quoi cela servait et il m'a dit que l'on pouvait faire des folioscopes, également appelés flip books. J'étais étonné que l'on puisse faire quelque chose de ce genre avec un jeu vidéo, mais une autre idée m'est venue à l'esprit également.

Le flip book est en fait à l'origine de l'animation. J'ai découvert le monde de l'animation à travers les flip books.

Comment cela ?

Mon père faisait de la peinture à l'huile et étant enfant, j'appréciais l'art. Je lisais énormément de mangas dont je copiais les dessins. Mais c'est ma mère qui m'a fait rentrer directement dans le monde de l'animation.

Est-ce que votre mère dessinait également ?

Elle ne dessinait pas beaucoup, mais lorsque j'étais à l'école primaire, elle m'a fait découvrir des animations de flip book. Elle avait dessiné une petite silhouette en quelques traits sur les coins de l'un mes cahiers de classe. Je crois que le petit bonhomme faisait du sport. Lorsque je l'ai vu bouger, j'ai été surpris. J'ai voulu essayer et j'ai dessiné quelques animations de flip book avec des silhouettes simples. Aujourd'hui encore, je me souviens de la façon dont le petit bonhomme sautait pour s'accrocher à une barre en hauteur, tournait autour de la barre puis retombait. A partir de ce moment, mon intérêt pour les images animées a été constant.

C'est sûr qu'une mère a de l'influence.

J'étais l'aîné de cinq enfants. Depuis mon plus jeune âge, j'avais eu droit aux punitions avec une règle.

Votre éducation a été stricte.

Oui, et quand bien même, lorsque j'allais à l'école je n'arrêtais pas de griffonner en classe.

Ce devait être l'influence de votre père.

J'imagine. En grandissant j'aimais de plus en plus les arts, mais mes résultats scolaires empiraient.

Vous deviez avoir eu un très fort penchant pour le monde des arts.

Le lycée où je suis allé était à l'origine une école pour filles, mais ils commençaient à intégrer des garçons aussi.

C'était le tout début des écoles mixtes.

Exactement. C'était la meilleure école de filles de Tokyo, donc les filles avaient des notes excellentes. Ce qui m'a fait détester encore plus les études. (rires) En sortant du lycée, je me suis demandé ce que j'allais faire. Mes parents ont décidé que je pouvais aller à l'université si c'était une université publique. A ce moment, par pur hasard, un ami amateur d'art m'a dit que pour avoir l'examen d'entrée au département de peinture japonaise il suffisait de peindre quelque chose à l'aquarelle. Je n'avais jamais fait de peinture japonaise, pas une seule fois de ma vie, mais j'ai tenté ma chance à l'université des arts de Tokyo et par un curieux tour du destin, j'ai réussi. C'était un monde où les gens prenaient l'art très au sérieux et méprisaient les mangas.

Vous étiez étudiant à la fin des années 50. A cette époque, le manga n'était pas encore vraiment reconnu.

Mon professeur à l'université était un célèbre peintre japonais. J'ai décidé que je voulais atteindre le même statut et devenir un artiste, même si cela voulait dire que je n'allais pas rouler sur l'or. J'en parlais souvent avec mes amis. Puis est venu le temps de trouver un travail, et il n'y en avait pas du tout.

Oui, j'imagine qu'il était difficile de trouver un travail dans le domaine de la peinture japonaise.

Tout à fait. Dans la société de l'époque, il n'existait aucun métier consistant à faire des dessins. C'est alors que le studio Toei Animation¹ a commencé à recruter.

Avez-vous tout de suite compris que cet endroit était fait pour vous ?

Le premier long-métrage d'animation que Toei produisit s'intitulait Le serpent blanc²

Oui, j'en ai entendu parler.

J'étais étudiant quand je l'ai vu et j'ai été emballé. J'avais grandi en regardant des dessins animés Disney et j'avais toujours pensé que l'animation japonaise ne valait pas grand-chose. Mais lorsque j'ai vu Le serpent blanc, j'ai changé d'avis. J'étais ému de constater que le Japon pouvait produire quelque chose d'incroyable comme ça. Enfin, bref, le studio Toei Animation commençait à recruter.

Et oui, il le fallait bien.

J'ai invité deux camarades de classe en leur disant « Si vous ne trouvez pas de travail, alors faisons de l'animation ensemble ! ». C'étaient des filles et elles ne s'intéressaient pas du tout aux mangas. Elles ne savaient même pas ce que c'était que l'animation. Mais au final, elles ont décroché un boulot et pas moi ! (rires)

Incroyable. Vraiment, vous n'avez pas été pris ?

J'étais sûr d'être pris donc je ne savais plus quoi faire. J'étais vraiment très enthousiaste à l'idée de travailler pour Toei Animation alors ça a été un coup dur pour moi. Mais Toei se développait tellement qu'ils n'ont pas attendu bien longtemps avant de recruter de nouveau. J'ai postulé et j'ai été pris de justesse.

Si vous aviez abandonné, votre vie et l'histoire de l'animation japonaise n'auraient jamais été les mêmes. Combien de personnes ont été embauchées à Toei Animation en même temps que vous ?

Le studio était florissant à l'époque, ils avaient donc embauché environ 30 personnes. Norio Hikone en faisait partie.

Oui, c'est lui qui a dessiné Uncle Carl³

Isao Takahata y était également.

Takahata-san du Studio Ghibli. Cela fait un beau casting.

Il était à la direction. Il était un peu plus âgé que moi, mais il est arrivé en même temps.

Hayao Miyazaki du Studio Ghibli venait aussi de Toei Animation.

Miya-san a cinq ans de moins que moi. Mais il est extrêmement connu maintenant. (rire) Lorsque je dessinais des images clés, il était dans mon groupe pendant un moment.

Lorsque vous êtes arrivé à Toei Animation, quel type de travail faisiez-vous ?

Vous ne pouvez pas dessiner des mouvements dès le départ. D'abord, il y a quelqu'un qui dessine les étapes principales, que l'on appelle les images clés, qui composent un mouvement. Et ensuite quelqu'un travaille sur l'étape suivante. Les nouveaux arrivants comme moi se donnaient beaucoup de mal pour récupérer les images clés, les nettoyer et dessiner toutes les images qui iraient dans l'intervalle.

Pendant combien de temps avez-vous fait cela ?

Après environ trois ans, on commence à bien comprendre les mouvements et on peut commencer à les dessiner soi-même.

En d'autres termes, vous commencez à dessiner des images clés.

C'est cela. Ensuite, j'ai travaillé sur plusieurs projets différents et tandis que j'étais absorbé par ce travail, environ dix années ont passé. Au début, la société avait un grand enthousiasme créatif, mais petit à petit, ils en sont venus à donner la priorité aux bénéfices financiers. Au lieu de produire des œuvres originales, le studio recherchait des séries de mangas populaires et d'autres choses à adapter. Même mon propre désir de créer quelque chose d'entièrement nouveau s'évanouissait.

Au fur et à mesure, votre champ d'action devenait limité.

C'est vrai. Mais ensuite, Horus, Prince du soleil⁴ a commencé en 1963. M. Takahata en était le réalisateur. C'est alors que j'ai pu devenir meilleur en termes d'animation.

Meilleur ?

Jusqu'ici, je n'avais relativement fait que peu d'efforts. Mais Horus, Prince du soleil était la première œuvre que réalisait M. Takahata, alors il a voulu tout donner. Il a longuement réfléchi au résultat attendu, à ce qu'il voulait exprimer et aux spécificités psychologiques sous-jacentes des personnages. Il a aussi été très exigeant envers son équipe. Tandis que je tentais de le suivre, j'ai gagné en confiance.

Je vois.

Une fois que j'ai terminé Horus, je n'avais plus peur de rien. Je pouvais travailler sur n'importe quoi d'autre.

Vous avez passé l'épreuve du feu et avez gagné en confiance.

Ce film nous a rendus fiers du travail que nous avions fourni. Après cela, nous avions assez de courage pour affronter toutes les situations. Plus tard, après y avoir passé près de 12 années, j'ai quitté Toei Animation.

Je ne peux pas vous laisser poursuivre sans aborder un sujet en particulier. Comment êtes vous venu à travailler sur Heidi, petite fille des Alpes⁵?

J'en suis arrivé au projet Heidi comme une conséquence de mon départ de Toei Animation. Comme je le disais, j'étais déçu de ne pas pouvoir travailler sur des œuvres vraiment créatives à Toei Animation. C'est alors qu'une certaine société de production a contacté M. Takahata, Miya-san et moi-même pour adapter une certaine œuvre célèbre de la littérature enfantine.

En découvrant cette proposition, vous avez immédiatement quitté Toei ?

Non, je ne savais pas trop quoi faire. J'avais travaillé avec certains collègues pendant un bon moment. Mais je voulais vraiment faire cette série. Alors, je me suis décidé et j'ai pris mon envol. Tout était absolument parfait, mais c'est là que l'on a appris que l'auteur du livre original ne voulait pas donner son accord.

Cela a dû être un choc.

J'avais tout prévu pour le faire.

Si vous aviez pu le faire à ce moment, je me demande ce que ça aurait donné. J'aurais bien aimé pouvoir voir ce à quoi ça aurait ressemblé.

Donc, M. Takahata, Miya-san et moi-même étions totalement pris au dépourvu. C'était un sacré revers de fortune. Ce projet était l'unique raison pour laquelle nous avions quitté notre société, et maintenant, il n'y avait plus de projet. Mais la disparition de ce projet a précédé la naissance des Aventures de Petit Panda⁶ de Tokyo Movie Shinsha.

Oh oui, tout à fait.

Et une fois que nous avons terminé Les aventures de Petit Panda, une autre société nous a contactés au sujet d'Heidi. Et de nouveau, je me suis demandé quelle serait la bonne décision. J'avais quitté Toei Animation et si nous quittions aussi Tokyo Movie ce serait notre troisième changement de poste. Avec Miya-san on s'était dit que si l'on pouvait être sûrs que M. Takahata puisse se charger de la réalisation, alors, nous le ferions. C'est ce qui nous a menés à Heidi.

Je vois.

Mais à cette époque, les gens étaient persuadés qu'Heidi ne rencontrerait aucun succès.

Vraiment ?

C'était l'époque où les histoires de sport comme Star of the Giants étaient populaires.

J'imagine qu'Heidi se démarquait un peu à l'époque. Mais je crois que c'est une histoire riche en émotions et universelle.

De plus, les séries d'animation télévisées étaient en pleine restriction budgétaire à l'époque. Il fallait limiter le nombre d'images que l'on utilisait. On voulait utiliser un bon nombre d'images pour exprimer entièrement ce que l'on voulait, mais nous n'avons pas pu.

En raison de ces restrictions budgétaires, vous avez vu les limites du projet dès la phase de planification.

J'étais conscient de la limitation d'images, mais Heidi est en fait une histoire relativement courte. Cependant, M. Takahata voulait y creuser en profondeur et montrer sa vie quotidienne, là-haut dans les montagnes et il voulait faire ressortir tous les rapports humains. Alors, nous nous sommes plongés dans la production, mais c'était plutôt rude. Nous avons travaillé même la nuit pendant plusieurs nuits d'affilée. J'ai cru que j'allais mourir. C'était très éprouvant.

Tiens, je crois que j'ai déjà entendu ça quelque part... (rires)

Je voudrais aussi vous parler d'une autre chose. J'ai entendu dire que vous aviez travaillé sur une scène très importante de Nausicaä de la vallée du vent⁷.

Oui, j'ai participé au dessin des images clés.

C'est une scène clé vers la fin, lorsque Nausicaä est frappée par l'Ohmu et meurt, puis revient à la vie. J'ai entendu dire que vous aviez travaillé sur cette partie du film.

A un moment, Miya-san m'a demandé si je pouvais lui donner un coup de main. J'ai accepté sans tellement y réfléchir. On en a parlé et j'ai commencé quelques ébauches. Vous vous souvenez de la scène où les tentacules se tendent vers elle ? Miya-san avait dessiné quelques plans et je devais les suivre pour créer les images clés. Seulement au final cela s'est avéré un peu raide, sans vie. Donc, je n'ai utilisé le plan que pour la première image des tentacules. Et quand j'ai vu le film terminé et que j'ai vu l'importance de la scène, j'ai été très étonné.

(rires)

J'ai entendu Miyazaki-san dire que vous vous étiez énervé contre lui. (rires)

Bien sûr ! C'est une scène tellement importante, et il ne m'avait même pas montré tous les story-boards !

J'imagine qu'il voulait que vous dessiniez cette scène.

J'avais l'habitude de me disputer avec lui assez souvent. Comme lorsqu'on a fait Marco – 3 000 lieues à la recherche de mère⁸. Je me suis aussi disputé avec M. Takahata. Même si nous avions une structure dramatique précise pour une scène, j'avais tendance à dessiner les choses comme moi je les voyais. Maintenant que j'y repense, je me disputais beaucoup ! (rires)

Après avoir travaillé avec de si grands compagnons avec qui vous pouviez tant vous disputer, pourquoi avez-vous quitté le monde de l'animation ?

Après avoir fait de l'animation au même endroit pendant un long moment, j'ai commencé à ressentir que je stagnais. De plus, il n'y avait aucune garantie que je puisse éternellement continuer à travailler avec des collègues ayant la même vision des choses que moi. C'est pourquoi j'ai quitté la société pour travailler en indépendant. Cependant, malgré cette liberté, je ne travaillais pas sur le cœur des projets, seulement sur certaines parties.

Vous avez donc pris en charge des parties d'œuvres plus grandes.

Oui, ce n'était pas stressant mais ce n'était pas vraiment intéressant.

Ou on se tue à la tâche mais c'est passionnant ou c'est facile mais pas intéressant.

C'est alors qu'Ike-chan - Hiroshi Ikeda – m'a contacté.

Ikeda-san était déjà retraité de Nintendo, mais il avait été auparavant le chef de Miyamoto-san.

Ike-chan avait aussi été embauché à Toei Animation en même temps que moi.

Ah ?! Vraiment ?!

C'est pour cette raison que je l'appelle Ike-chan. Il est plus âgé que moi, mais je me disputais pas mal avec lui aussi. Comme lorsqu'on a fait Flying Phantom Ship⁹. Il était réalisateur et moi j'étais directeur des animations.

Je vois.

Miyamoto-san, désolé de vous avoir fait attendre.

Aucun problème.

Au bout de combien d'années chez Nintendo Ikeda-san est-il devenu votre supérieur ?

Au bout d'environ 7 ou 8 ans je crois. A ce moment-là, nous étions en train de faire Super Mario Bros¹⁰. Il m'a vraiment laissé carte blanche. C'était le premier directeur du département d'analyse et de développement divertissement.

Kotabe-san, comment est-ce qu'Ikeda-san s'y est-il pris pour vous inviter à rejoindre Nintendo ?

Comme je l'indiquais, j'étais disponible et je traversais une période creuse. Alors j'ai rencontré Ikeda-san dans un café et il m'a demandé si cela m'intéressait de travailler pour Nintendo. Il disait qu'à partir de ce moment, les jeux vidéo allaient avoir besoin d'une quantité grandissante de savoir-faire en animation.

En effet. A cette époque, quasiment personne ne s'y connaissait en animation dans l'industrie du jeu vidéo.

Lorsque nous avons fait le jeu d'arcade Popeye¹¹, je regardais le dessin animé en faisant un arrêt image par image pour observer et redessiner moi-même.

Ah, vous avez fait ça ?

Il y avait un livre d'images animées très célèbre qui montrait, avec des photographies en image par image, des gens et des chiens qui couraient. Même si j'ai fait une université des beaux-arts, je ne l'avais quasiment jamais utilisé.

Un livre pour apprendre à dessiner.

C'est cela. Moi aussi j'ai toujours aimé les animations des mangas en flip book. Mais je n'aurais jamais pensé que je créerais un jour mes propres animations. J'ai donc dû m'y mettre très sérieusement.

Dans le monde de l'animation, on étudie les livres de ce genre de façon très approfondie. On y apprend par exemple à fluidifier les mouvements. Mais au fur et à mesure, cela s'est avéré inutile vu que le nombre d'images était moindre.

Je vois. Les animations pour les publicités télévisées n'utilisent que quelques images par seconde.

Et certaines images ne bougent pas.

C'est une des choses qui m'ont frustré. A cette époque, Ike-chan m'avait demandé si je voulais rejoindre Nintendo pour donner des conseils sur les animations. Mais je n'avais quasiment jamais joué à un jeu vidéo. Le seul que je connaissais était Space Invaders. (rires)

Vous avez joué à Space Invaders ?

Non, je regardais juste les autres jouer. (rires) Je n'avais donc aucune idée de la raison pour laquelle des animations étaient nécessaires dans les jeux vidéo.

C'est compréhensible.

Mais je lui ai dit que s'il pensait avoir besoin d'animations, je pouvais l'aider. Je voulais juste rester chez Nintendo un an ou deux. Et au final, j'y suis resté 21 ans ! (rires)

(rires)

Un an ou deux, ce n'était pas possible. A cette époque, l'environnement nécessaire à votre travail existait à peine dans l'univers du jeu.

Lorsque Kotabe-san vous a rejoint, qu'en avez-vous pensé Miyamoto-san ?

Je pensais que c'était trop beau pour être vrai. J'avais toujours adoré les mangas et je regardais beaucoup de films d'animation, mais pas assez pour connaître son nom. Mais lorsqu'un vrai fan d'animation a entendu le nom de Kotabe-san, il s'est mis dans tous ses états, jusqu'à en trembler.

Vous plaisantez. (rires)

Non, lorsque nous vous avons rencontré ensemble, il était si nerveux qu'il s'était mis à trembler. (rires)

Avant de vous rencontrer, Ikeda-san m'avait présenté M. Takao Kozai, l'illustrateur de Sally, la petite sorcière et de New Star of the Giants.

Kozai-san vient aussi de Toei Animation.

Vraiment ? Décidément, Nintendo doit beaucoup à la vénérable élite de Toei Animation !

C'est Kozai-san qui a conçu les graphismes de Punch-Out!!¹². Il demandait de plus en plus souvent de l'aide à des professionnels externes. Mais comme nous allions avoir Kotabe-san au sein de nos équipes, j'ai pensé « Ça devrait faire l'affaire ?! » (rires)

Soudain, un vrai animateur rejoignait nos rangs mais nous n'avions rien préparé du tout ! (rires)

Qu'avez-vous pensé lorsque vous avez vu nos dessins pour la première fois ?

Vous ne m'avez pas montré de dessins, vous m'avez montré un jeu vidéo. C'était Super Mario Bros.

Oui, c'est vrai.

Lorsque j'ai vu pour la première fois tous les mouvements que faisait Mario dans Super Mario Bros., je me suis dit que les jeux vidéo étaient en train de faire ce que l'industrie de l'animation traditionnelle était en train d'oublier.

Même à cette époque, un bon nombre de choses avaient été faites, comme les mouvements du personnage.

Je voyais ce que vous cherchiez à atteindre, même si vous n'y étiez pas encore arrivés. Mais pendant un moment après mon embauche, je n'ai pas du tout travaillé sur des animations.

C'est vrai. (rires)

Je venais au travail chaque jour et je m'asseyais à mon bureau pour griffonner tout ce qui me passait par la tête. (rires)

Si je me souviens bien, la première animation que Kotabe-san ait dessinée pour nous était un Luigi qui tournait sur lui-même. Mais nous ne pouvions pas utiliser beaucoup d'images et nous n'avons donc pas pu l'utiliser dans le jeu.

Oui. A cette époque je dessinais beaucoup de choses que personne ne pouvait utiliser.

Mais ensuite nous avons eu une opportunité pour un projet et j'ai pensé que nous devions demander à Kotabe-san d'y travailler. Nous avons donc travaillé ensemble avec Fuji Television.

Pour Yume Kojo: Doki Doki Panic¹³

Ah, je me souviens.

Je voulais que le mouvement du tapis roulant soit bien fluide.

Ah, ça. (rires)

Je voulais qu'il bouge comme un vrai tapis et c'est ce que j'ai demandé à Kotabe-san. Voilà ce que j'ai demandé à Kotabe-san, le grand illustrateur, je lui ai dit: « S'il vous plaît, dessinez-moi un tapis ! »

C'est terrible. (rires)

(rires)

Je lui ai donc dessiné un tapis aux mouvements fluides et là, il m'a dit qu'il y avait trop d'images !

L'animation originale avait plus de dix images mais nous avons dû en couper quelques unes et en répéter d'autres plusieurs fois pour que le total d'images reste faible tout en assurant la fluidité des mouvements du tapis.

Je crois qu'on en a gardé trois. Et on les a aussi utilisées à l'envers.

C'était le premier travail directement lié au jeu vidéo que je demandais à Kotabe-san.

Vous lui avez aussi demandé un grand nombre d'illustrations pour Mario.

Mario, c'était du pixel art, et la seule référence existante était l'illustration de la boîte de Super Mario Bros.

C'est vrai. C'est grâce à Kotabe-san que Mario est devenu ce qu'il est aujourd'hui.

Depuis Donkey Kong¹⁴, j'avais fait plusieurs esquisses de Mario et je les avais confiées à un illustrateur externe pour qu'il les finalise. Lorsqu'on a sorti Super Mario Bros., je pensais faire appel à un dessinateur de manga professionnel ou un illustrateur célèbre pour faire les dessins. Mais nous avons manqué de temps et j'ai fait les dessins originaux de la boîte moi-même.

Donc, quand j'ai commencé à dessiner Mario, cette illustration de boîte était ma seule référence. Ensuite, j'ai appris que Miyamoto-san en était l'auteur alors je me suis mis à lui poser tout plein de questions. Est-ce que ce visage est bien ? Est-ce qu'il est bien comme ça ?

C'est vrai. Il me posait beaucoup de questions. Ce qui est superbe, c'est que Kozai-san et Kotabe-san aient tous les deux autant de talent.

Quelqu'un de bien plus fort en dessin que vous vous demandait des conseils pour dessiner quelque chose. Vous avez certainement apprécié la situation. (rires)

(rires)

Peach a complètement changé. Je luis disais tout ce que je voulais. Par exemple je lui ai expliqué que je voulais que ses yeux aient un petit air félin.

Et qu'elle devait avoir l'air un peu têtue aussi.

Têtue mais aussi un peu mignonne. (rires) Bowser aussi a beaucoup changé. J'avais dessiné Mario pendant un bon moment alors je savais parfaitement à quoi je voulais qu'il ressemble. En revanche, je n'avais pas tant dessiné Bowser et j'ai donc eu du mal à trouver les bons traits. J'aime le travail de Toei Animation, surtout au moment d'Alakazam the Great¹⁵, et ce bœuf qu'on y voit...

Oh, je me souviens que vous en parliez.

Je lui disais à quel point j'aimais ce bœuf.

Le roi bœuf. Miyamoto-san l'aimait bien et c'est à partir de là qu'il a imaginé Bowser. Si vous regardez le dessin que j'en ai fait sur la boîte, Bowser ressemble un peu à un bœuf. Mais après ça, Takashi Tezuka a dit...

Il a dit que c'était une tortue.

Et je me suis dit, « Ah oui, une tortue ? »

(rires)

J'avais dessiné quelque chose de totalement incompréhensible : un corps de tortue avec une tête de bœuf ! (rires) A force d'en discuter, on a quand même fini par trouver son apparence finale. Vu que Bowser fait partie de la famille des tortues aux côtés des Koopa, on a commencé à voir des similitudes entre les deux. Nous les avions copiés aussi fidèlement que possible et nous sommes passés à l'illustration suivante. Et j'étais plutôt fier de moi en me disant « Waouh, j'ai réussi à faire en sorte que Bowser ait un air vraiment cool ! »

Vous avez beaucoup appris avec les dessins de Kotabe-san, les avez introduits dans le jeu et tout cela rendait tout à coup bien mieux. Plus tard, les jeux sont passés à la 3D, ce qui a fait que les talents de Kotabe-san sont devenus encore plus importants pour nous.

Lorsque nous faisions Super Mario 64¹⁶, l'équipe de développement était constamment en réunion.

Puisque nous parlons de Mario 64, demandons à Koizumi-san de se joindre à la conversation. J'avais l'intention de le faire intervenir lorsque nous parlerions de Flipnote Studio, mais bon.

Pas de problème.

Koizumi-san, comment avez-vous rencontré Kotabe-san pour la première fois ?

A mes débuts dans la société, Kotabe-san a été la première personne avec qui j'ai travaillé.

A dire vrai, j'avais demandé à Kotabe-san son avis sur votre recrutement. (rires)

Vraiment ?! (rires)

Ils m'ont tous les deux fait passer l'entretien.

Koizumi-san avait apporté quelques animations qu'il avait créées pour son projet de fin d'études et j'ai observé cela attentivement. Il avait une bonne expérience en création d'animation. De toute façon, pour une raison ou une autre, je me suis retrouvé à lui faire passer l'entretien. Je l'ai embêté avec un tas de questions pièges comme « Si vous êtes si fort en animation, pourquoi voulez-vous entrer dans l'industrie du jeu vidéo ? »

J'ai donc commencé à exposer mes connaissances théoriques sur l'animation et même sur le jeu vidéo.

Il fallait oser expliquer les théories de l'animation devant Kotabe-san et celles du jeu vidéo devant Miyamoto-san !

(rires)

Je n'avais pas réalisé que les deux personnes en face de moi étaient Kotabe-san et Miyamoto-san ! Même si je connaissais leurs noms, j'ignorais à quoi ils ressemblaient. De plus, je n'étais qu'un simple étudiant et j'étais vraiment nerveux. Je pensais qu'il fallait vraiment que je fonce. C'est alors que je me suis lancé dans mes théories préférées. Je frissonne rien que d'y repenser maintenant. (rires)

Miyamoto-san m'a dit que vous deviez travailler en tant qu'illustrateur de personnages pendant un moment.

Je lui ai demandé de développer les compétences de Koizumi-san.

Vraiment ? Je ne savais pas ça.

Ce dont je me souviens bien de cette époque, c'est Mario Kart¹⁷. Chez Toei Animation, ils disaient toujours « Regardez l'objet en vrai », alors j'ai insisté pour avoir un budget rien que pour ça.

Nous sommes donc partis enquêter sur le terrain. J'ai conduit un kart pour la première fois de ma vie et j'en ai observé la structure de très près.

Et regarder des photos ou rechercher des infos sur Internet ne suffit pas. Il nous a fallu voir les choses en vrai pour nous en imprégner complètement. L'expédition sur le terrain a vraiment prouvé toute son utilité lorsque nous avons fait Mario Kart.

Oui, et c'est grâce à vous.

Mais ensuite, l'équipe de développement a eu besoin de renfort, et on m'a enlevé Koizumi-san.

Miyamoto-san vous avait demandé de développer ses compétences, et puis il vous l'a piqué. (rires)

C'est pour ça que j'ai dû rester chez Nintendo pendant 21 ans !

(rires)

Au sujet de Mario 64, Kotabe-san a dit un jour qu'en y repensant, il avait finalement pu faire tout ce qu'il avait toujours voulu faire.

J'ai dit ça, moi ?

Miyamoto-san m'a parlé de cette conversation avec vous.

Vous ne disiez pas que vous étiez content de ce qui était devenu possible à l'époque, mais juste que vous pouviez faire tout ce que vous aviez toujours voulu faire. Cela m'a vraiment fait plaisir.

Au début il y avait vraiment beaucoup de contraintes.

Pendant longtemps, on était très limités, mais vous êtes restés avec nous.

Il y a autre chose qui m'a particulièrement marqué à cette époque. Une fois que les jeux étaient passés à la 3D, ils devaient normalement devenir plus réalistes. C'est pourquoi je pensais qu'on se mettrait à la capture de mouvement. Et lorsque vous avez rejeté cela, j'ai été surpris.

Ah ?

Il semblait plutôt naturel de vouloir utiliser des éléments réels. Mais vous avez rejeté cela et êtes parti dans une autre direction. J'ai pensé que c'était une sacrée décision.

Pourquoi ne vouliez-vous pas utiliser la capture de mouvement ?

Eh bien, auparavant, lorsque j'ai fait Popeye pour la première fois, je ne savais pas très bien dessiner alors j'ai tout copié du dessin animé pour faire les animations. Mais en fait en jouant au jeu, le temps de réponse n'était pas super.

Même si Popeye disposait de nombreux mouvements qui rendaient très bien, jusqu'à ses yeux, on ne pouvait pas le faire bouger exactement comme on voulait. Et j'ai pensé que ce n'était pas très bon pour un jeu vidéo.

Lorsque vous appuyez sur un bouton, vous voulez une réponse immédiate. S'il y a un délai, le temps de faire un mouvement préparatoire, c'est qu'il y a quelque chose qui cloche.

Par exemple, lorsque vous appuyez sur un bouton, Link sort immédiatement son épée, mais ensuite il recule lentement et la seconde fois que vous appuyez, il fait une belle action bien nette. Donc, lorsque j'ai décidé de combiner des mouvements fluides et une interactivité satisfaisante, je savais que le fait de seulement importer la technique d'animation traditionnelle ne suffirait pas.

C'est vrai.

Le fait que nous réfléchissions beaucoup à cette question et que l'on cherche le meilleur résultat a constitué notre point fort. Pendant toute une période je ne pensais vraiment qu'à ça.

Je ne rejetais pas le mouvement réaliste. Je donnais simplement la priorité aux sensations obtenues en jouant au jeu plutôt qu'à la fluidité des mouvements. Et lorsque la qualité des mouvements devenait un élément particulièrement important, nous mettions l'accent sur la fluidité des mouvements. Je me souviens qu'à certains moments, je m'emballais pas mal sur ces questions.

Je vois.

Mais lorsque vous avez commencé les Pokémon, nous n'avions quasiment plus de temps pour travailler ensemble.

Nous avons démarré Pokémon Stadium¹⁸ et Pokémon Snap¹⁹ au même moment.

Au départ, nous savions que nous devions créer 151 monstres .

Tout ce que nous avions, c'était des données en 2D. Nous avons donc dû les transformer en modèles 3D un par un.

Mais c'était une période sympa. J'avais l'impression d'être un sculpteur. On commençait avec un modèle que l'on faisait tourner et là je disais « Oh, il faut enlever ce morceau-là. »

Oui, je me souviens de cela. On regardait le modèle pivoter et on s'occupait des parties que vous indiquiez. Et rapidement, cela commençait à s'améliorer. Je me demandais comment cela marchait. C'était au-delà de mon domaine d'expertise alors pour moi c'était un peu comme de la magie.

Je ne savais pas faire bouger le modèle moi-même alors j'ai ressenti que c'était tout un effort collectif. Mais je n'avais pas vraiment le choix et je me suis demandé si je n'étais pas un peu énervant pour ceux avec qui je travaillais.

Non, pas du tout. A chaque fois que vous donniez une instruction, c'était immédiatement clair pour tout le monde. Comment réussissez-vous à faire comprendre les choses à tout le monde, comme par magie ?

C'est comme pour l'animation traditionnelle, qui possède plusieurs facettes. Vous devez faire bouger vos objets, alors vous imaginez les parties que vous ne voyez pas lorsque vous dessinez.

Je crois que Kotabe-san a une caméra dans la tête. Ce qui m'a le plus surpris lorsqu'il a fait ses premiers dessins pour moi, c'est que chaque dessin correspondait à un positionnement de caméra.

Il dessinait selon différents angles.

Selon le dessin, le point de vue peut être orienté légèrement vers le haut, en contre-plongée, ou plutôt vers le bas, en plongée. Lorsque nous avons passé les Pokémon en 3D, Kotabe-san a dû imaginer ce à quoi ils devaient ressembler grâce la caméra qu'il a en tête.

Je vois. J'ai remarqué autre chose en vous regardant travailler sur Pokémon, c'est que Kotabe-san était très fort pour encourager les gens.

C'est vrai. Il n'hésite pas à chercher dans le détail pour trouver un élément positif et là, il fait des compliments. Il ne dit jamais « Ah, ce n'est pas bon », mais il dit plutôt « Cela a un certain style. »

Auparavant dans mon travail, je dessinais les animations clés et je vérifiais les images clés des autres. Ces dessins sont imprégnés de l'enthousiasme du dessinateur. C'est pour cela qu'il vaut mieux diriger cet enthousiasme vers les corrections. Je me débrouille pour trouver ce qu'il y a de bon en chacun.

A travers la création de ses produits, Nintendo a appris à connaître Kotabe-san. Il pensait qu'il ne resterait que quelques années, mais avant même qu'il ne s'en rende compte, il est resté 21 ans ! Et en chemin, il a aussi fait de nombreux émules...

Oui, c'est certain.

Tout au long de son histoire, Nintendo a eu toutes sortes de coups de chance. On pourrait dire que notre relation avec Kotabe-san est un exemple de l'immense chance qu'a pu avoir Nintendo.

Au fait, Kotabe-san, vous avez publié un livre de dessins d'animation intitulé Collection of Yoichi Kotabe's Animation Arts, n'est-ce pas ?

Oui, il était question un moment de faire un livre de dessins, mais je pensais que c'était une plaisanterie. Je ne savais même pas combien de mes dessins originaux existaient encore. Mais il y a quelques années, lorsque nous avons fait des travaux chez nous, j'ai trouvé un panier en osier rempli de mes vieux dessins au fond d'un placard. J'ai montré ces dessins à un éditeur et il en a trouvé beaucoup qu'il voulait mettre dans le livre. Je n'étais pas vraiment d'accord, car certains dessins me semblaient embarrassants, mais il a insisté. Il m'a même soupçonné d'en garder d'autres dans une cachette !

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On y a mis tellement de dessins qu'il ne restait plus rien du tout après !

Combien y a-t-il d'illustrations dans ce livre ?

Une telle quantité que je ne saurais pas dire. Certains dessins proviennent des mouvements d'une animation, c'est pour cela qu'on a décidé de l'intituler livre de dessins d'animation au lieu de livre de dessins tout court. Il inclut aussi de nombreuses esquisses de conception de personnage. C'est principalement ce qu'on y trouve.

J'espère que de nombreuses personnes pourront découvrir votre travail grâce à ce livre.

D'accord et maintenant, parlons de Flipnote Studio. Le genre d'animations de flip book que vous dessinez dans les coins de votre cahier et le genre d'animations sur lesquelles Kotabe-san a travaillé sont diamétralement opposés, mais on pourrait aussi dire qu'elles trouvent leur origine à la même source. Koizumi-san, à quoi pensiez-vous lorsque vous avez montré Flipnote Studio à Kotabe-san ? Il a été votre maître pendant un long moment, alors, étiez-vous enthousiaste ou plutôt effrayé ?

Je pensais qu'il aimerait à coup sûr. Lorsque que je lui ai expliqué pour la première fois, je savais qu'en lui disant que je voulais animer des dessins, il comprendrait. J'ai donc abordé ce moment avec beaucoup de fierté.

Lorsque j'en ai entendu parler, j'ai pensé que c'était une façon intéressante de faire des animations.

Mais dans mon for intérieur, j'étais quand même assez nerveux. (rires)

Kotabe-san, que pensez-vous de cette société avec laquelle vous avez travaillé si longtemps qui tout à coup se met à créer quelque chose qu'on pourrait qualifier de point de départ de l'animation et l'offre gratuitement aux gens qui achètent la nouvelle console de jeu Nintendo, la Nintendo DSi ?

Quoi ? C'est gratuit ? Je ne savais pas ça. Oh... c'est extraordinaire. A mon époque, c'était bien plus difficile de réussir à voir quelque chose s'animer à l'écran.

Je vois.

On apprenait les mouvements à la main, en faisant des dessins image par image et en les faisant défiler, on trouvait la bonne vitesse globale. Mais à la main, on pouvait subitement perdre le rythme.

Bien sûr, maintenant avec les ordinateurs, vous pouvez vérifier précisément le timing et c'est incroyablement facile avec Flipnote Studio. De plus, vous pouvez utiliser des dizaines d'images et en définir les paramètres. Je pense que tout cela est surtout possible parce que Koizumi-san s'y connaît en animation.

Et c'est grâce à vous que j'ai appris tout cela ! (rires)

Kotabe-san faisait le dessin original et je faisais les épreuves qu'il vérifiait. Ses traits étaient empreints d'une telle grâce. Il peut dessiner des illustrations complètes avec de simples traits. C'est depuis ce moment que je pense que l'on peut faire un travail d'animation avec seulement quelques traits et du mouvement.

Je vois.

L'animation japonaise bénéficie à la fois de lignes gracieuses et d'un incroyable mouvement. Les techniques de mouvement découvertes par Kotabe-san et d'autres artistes aux débuts de Toei Animation sont très impressionnantes. J'ai donc voulu les remettre au goût du jour.

Parfois alors que je griffonnais, j'aurais aimé avoir un outil pour m'aider. Mais ce n'était pas non plus un gros handicap.

De quel genre d'outil parlez-vous ?

Un outil d'esquisses. Par exemple, si je voulais dessiner une petite fille qui sautille, pour finaliser son visage nettement, il me fallait l'esquisser auparavant, mais je n'avais pas d'outil adéquat. Si je pouvais, j'utilisais du gris pour dessiner l'esquisse et ensuite je faisais le dessin final par-dessus.

Ne vous en faites pas. Nous prévoyons d'inclure ce type d'outil dans Flipnote Studio Version 2.

Nous allons inclure un système de calques dans la Version 2. Vous pouvez tout d'abord dessiner une esquisse sur un calque et ensuite, vous pouvez superposer un autre calque pour finaliser le dessin.

Oh, on peut faire ça ? C'est une bonne nouvelle ! (rires)

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Vous avez vraiment pensé à tout. Je suis impressionné.

Dans un premier temps nous allons sortir le strict nécessaire, et ensuite, lorsque tout le monde voudra plus de fonctionnalités, nous sortirons la Version 2. Si nous donnions toutes les fonctionnalités aux utilisateurs tout d'un coup, ils pourraient s'y perdre. Aussi, les fonctionnalités les plus simples et indispensables sont expliquées par écrit, mais pour le reste, il n'y a que des icônes. En voyant une de ces icônes, l'utilisateur va se demander ce que c'est et l'essayer. J'aimerais bien que les utilisateurs échangent entre eux sur ce qu'ils ont appris.

Lorsque vous avez montré Flipnote Studio à Kotabe-san, que vouliez-vous mettre le plus en valeur ?

Comme il est simple de dessiner avec. Vous pouvez faire un dessin et l'animer en deux étapes très simples. Vous ne trouverez aucune autre application qui vous permette de faire cela avec un stylet.

Dès que vous avez dessiné quelque chose, vous pouvez immédiatement l'animer et voir le résultat. Kotabe-san, vous ne trouvez pas cela incroyable, en tant qu'animateur ?

C'est vraiment incroyable. Lorsqu'un animateur professionnel a une idée, il ne peut pas vérifier immédiatement comment cela marcherait. Il a besoin de certains matériaux d'abord. Mais avec Flipnote Studio, il n'a jamais été aussi facile de dessiner.

Et c'est super parce que vous pouvez dessiner n'importe où. Si je griffonnais les coins de mes cahiers à l'école, c'était surtout pour tuer le temps.

Et c'est pour ça que vous dessinez toujours des caricatures lors des réunions à Nintendo ?

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Vous faites semblant de prendre des notes, mais je parie qu'en réalité vous dessinez les visages de nos visiteurs. J'imagine que c'est un nouveau genre de mémo.

Mais oui. Je ne veux pas oublier les visages des personnes que je rencontre. Mais je n'ai pas eu l'occasion de faire ça dernièrement.

Et maintenant, vous pouvez le faire avec Flipnote Studio.

Excellente idée !

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A présent, je voudrais demander à chacun d'entre vous comment il pense que le public va utiliser Flipnote Studio principalement. A votre avis Koizumi-san ?

Lors de ma première année au département des arts et médias de l'université, il y avait un cours où chaque élève devait réaliser son propre film. Tous les étudiants, qu'ils veuillent devenir scénaristes ou cameramen, chacun devait être le réalisateur d'un film en huit millimètres. Sur un support huit millimètres pour une durée de trois minutes.

Chaque étudiant devait remplir le rôle de réalisateur pour faire un film de trois minutes.

C'est cela. Je pensais que c'était un excellent exercice. Tout le monde veut faire des films, mais très peu de gens y arrivent vraiment. Mais maintenant que tout le monde peut facilement créer des animations avec Flipnote Studio, je crois que des gens surprenants vont se découvrir des talents surprenants. J'espère que Flipnote Studio les aiguillera dans cette voie.

Parce que Flipnote Studio vous a déjà fait découvrir des talents cachés ?

Exactement. Quelqu'un des bureaux de Tokyo qui n'est pas un artiste ou un programmeur a fait quelque chose d'incroyable avec cette application. Lorsque j'ai vu ça, je me suis dit, « Aha ! »

Kotabe-san, les animations que les utilisateurs réalisent avec Flipnote Studio peuvent être diffusées sur Internet et partagées avec d'autres personnes. Des gens vont se découvrir des talents cachés aux quatre coins du monde et ils auront tous la chance de partager leur travail avec les autres.

C'est génial !

Je trouve aussi !

Qu'en pensez-vous, Miyamoto-san ?

Je suis du même avis que Koizumi-san, mais... je crois que je vais profiter de cette occasion pour faire un peu de pub à Wii Music. (rires)

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Wii Music est très similaire à Flipnote Studio. Cela fait longtemps que Nintendo travaille pour développer des jeux qui se rapprochent des outils d'édition. Je pense que le jeu vidéo ultime, c'est un outil de conception assistée par ordinateur. J'ai toujours affirmé que si nous avions l'outil parfait pour, par exemple, vous permettre de faire un dessin exactement comme vous le souhaitez, ce serait un logiciel vraiment excellent, mais c'est très difficile à réaliser.

C'était trop coûteux ou trop compliqué à utiliser car les utilisateurs avaient trop de choses à faire.

C'est en tout cas un thème sur lequel nous avons toujours travaillé tout en continuant de faire nos jeux ces dernières années. En 2008, nous avons terminé Flipnote Studio et Wii Music. J'espère que les gens vont se découvrir des vocations, et qu'un jour certains avoueront vouloir devenir musiciens grâce à Wii Music ou créateurs grâce à Flipnote Studio. Dans ce sens, j'ai l'impression que l'année 2008 marque le tournant d'une nouvelle ère.

Band Brothers DX est un type de jeu un peu différent, mais il vous permet de partager votre musique avec d'autres personnes.

Bien sûr, 2008 a été une année très riche ! Certains disent que ce type de projet ne marche pas si bien que ça. Mais j'ai l'impression qu'ils vont surtout très bien marcher dans un futur très proche, comme en 2009 et 2010 par exemple.

Nous avons aussi Made In Ore²⁰ qui sort en 2009.

Je voudrais que chaque joueur utilise des jeux de ce genre pour se créer une façon de jouer tout à fait personnelle. A l'époque où les gens méprisaient les mangas, que Kotabe-san a connue, j'avais créé un club de manga à l'école. Notre devise était « Meilleur en dessin que le club de dessin. » (rires)

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Mais en réalité, nous étions vraiment meilleurs que le club de dessin ! Et nous avions de meilleures notes qu'eux en dessin.

Vous avez renversé l'autorité existante et l'avez forcée à reconnaître vos talents !

De la même façon, j'espère que Flipnote Studio va lancer une nouvelle ère.

Kotabe-san, de votre point de vue à vous qui avez passé votre vie à maîtriser l'art de l'animation, que pensez-vous de l'arrivée soudaine d'un logiciel comme Flipnote Studio ?

Comme je l'indiquais auparavant, c'est très facile d'accès, c'est ce que je trouve le plus étonnant. Même le fait de dessiner des animations de flip book était réservé, jusqu'ici, aux enfants qui savaient le mieux dessiner. Cependant, avec la Nintendo DS, n'importe qui peut produire rapidement quelques dessins et les animer. Je pense aussi qu'on peut l'utiliser de tas de façons différentes. Pour de l'animation-shiritori²¹ par exemple.

De l'animation-shiritori ?

J'ai appris qu'ils faisaient cela dans les écoles d'animation. Vous commencez avec un cercle par exemple, vous le modifiez plusieurs fois et devez terminer avec un cercle. Si chacun fait une animation qui commence et se termine par un cercle, alors, on peut relier toutes les créations.

Je vois. On appelle ça shiritori parce que les débuts et les fins sont tous reliés.

Vous pouvez ensuite tout grouper en une seule animation.

Dans la Version 2, nous allons inclure une fonction permettant aux mémos d'être reliés et joués de façon consécutive jusqu'à 30 minutes d'affilée.

En d'autres termes, vous pouvez enchaîner les œuvres de plusieurs créateurs pour n'en faire qu'une animation continue de 30 minutes.

Il faudrait qu'on fournisse une forme de départ.

On va faire ça aussi dans la Version 2.

Je trouve ça excellent.

Moi aussi ! (rires)

Il y a quelques instants, Koizumi-san parlait de découvrir des talents cachés, mais je crois que Flipnote Studio peut aussi être un outil très marrant pour les professionnels.

Lorsque cette application sortira dans le monde entier, ce serait génial si le nombre de personnes voulant faire du dessin d'animation augmentait. J'espère aussi vraiment, comme Miyamoto-san l'indiquait, que Flipnote Studio donnera envie aux gens de devenir animateurs, créateurs de vidéos, de films ou de jeux vidéo.

Kotabe-san, merci de nous avoir accordé cette mémorable interview aujourd'hui.

Après l'interview, nous avons demandé à Yoichi Kotabe de créer sa propre animation avec Flipnote Studio.